Clases.

CLASES. 

1. Diseño moderno de cada época: ¿En qué influye en la sociedad? ¿Cuál es el impacto?
2. Una verdad es que SIN tecnología  N O  H A Y   D I S E Ñ O. 
3. El arte no está peleada con el diseño, realmente no puede estar la una sin la otra. 
4. Los artistas lo que hacían para innovar en su época. 

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Aprendimos qué hacer antes de criticar una obra, debemos investigar el autor, la época en la que vivían y qué era lo que querían expresar; sólo así podemos dar opinión.

Vimos arte de la época renacentista, con la clásica obra de "Nacimiento de Venus", del pintor renacentista Sandro Botticelli.

Artista: Sandro Botticelli.

Tamaño: 1.72m x 2.78m

Ubicación: Galería degli Uffizi.

Fecha de creación: 1485 - 1486.

Material: Pintura al temple.

Periodos: Renacimiento.
https://www.posterlounge.es/p/531296.html

• Datos interesantes de la obra:

 Venus es la diosa del amor y su nacimiento se debe a los genitales del dios Urano, cortados por su hijo Cronos y arrojados al mar. El momento que presenta el artista es la llegada de la diosa, tras su nacimiento, a la isla de Citera, empujada por el viento como describe Homero, quien sirvió de fuente literaria para la obra de Botticelli. Venus aparece en el centro de la composición sobre una enorme concha; sus largos cabellos rubios cubren sus partes íntimas mientras que con su brazo derecho trata de taparse el pecho, repitiendo una postura típica en las estatuas romanas de las Venus Púdicas. La figura blanquecina se acompaña de Céfiro, el dios del viento, junto a Aura, la diosa de la brisa, enlazados ambos personajes en un estrecho abrazo. En la zona terrestre encontramos a una de las Horas, las diosas de las estaciones, en concreto de la primavera, ya que lleva su manto decorado con motivos florales. La Hora espera a la diosa para arroparla con un manto también floreado; las rosas caen junto a Venus ya que la tradición dice que surgieron con ella. Técnicamente, Botticelli ha conseguido una figura magnífica aunque el modelado es algo duro, reforzando los contornos con una línea oscura, como si se tratara de una estatua clásica. De esta manera, el artista toma como referencia la Antigüedad a la hora de realizar sus trabajos. Los ropajes se pegan a los cuerpos, destacando todos y cada uno de los pliegues y los detalles. El resultado es sensacional pero las pinturas de Botticelli parecen algo frías e incluso primitivas.

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EVOLUCIÓN DE DESNUDOS EN LA HISTORIA. 

El desnudo renacentista se inspiró en modelos clásicos grecorromanos, aunque con una función diferente de la que tenía en la antigüedad: si en Grecia el desnudo masculino ejemplificaba la figura del héroe, en la Italia renacentista el desnudo tiene un carácter más estético, más vinculado a una nueva forma de entender el mundo alejada de preceptos religiosos, el ser humano nuevamente como centro del universo. Destacó entonces principalmente el desnudo femenino, debido al mecenazgo de nobles y ricos comerciantes que demostraban de esa forma su posición privilegiada en la sociedad. Así, se fue forjando la secularización del desnudo, pasando de los temas religiosos medievales a los profanos, a veces con intentos algo forzados de justificar este tipo de representaciones fuera del ámbito religioso: las principales obras de Botticelli, La primavera y El nacimiento de Venus, representan el concepto neoplatónico que Marsilio Ficino extrapoló del mito de Venus como ideal de la mujer virtuosa, donde a pesar de su desnudez tras su nacimiento en edad adulta su primera reacción es la de cubrirse, siguiendo el antiguo concepto de la «Venus Púdica».

El arte renacentista recuperó el desnudo clásico como ejemplificación de belleza ideal, tanto física como moral. El desnudo era el pretexto perfecto para cualquier composición, desde la más naturalista hasta la más simbólica, expresada esta última a través de múltiples alegorías y personificaciones. En ocasiones, la representación renacentista del cuerpo humano era la del desnudo por el desnudo, una especie de arte por el arte que a menudo desnaturalizaba el propio tema del cuadro, fuese religioso o mitológico.​ En el Renacimiento el desnudo dejó de ser motivo de vergüenza y, en contraposición, adquirió un nuevo carácter heroico o incluso sagrado (sacra nuditas).​ Según Louis Réau (Iconografía del arte cristiano, 1955), «los artistas del Renacimiento consideraban la representación del cuerpo humano en su desnudez triunfante como el objeto primordial de las artes plásticas»

Año:1518
Autor:Rafael Sanzio,
Técnica:Óleo sobre tabla de madera de álamo
Estilo:Renacimiento
Tamaño:85,5 × 61,5 cm
Localización: Galería Nacional de Arte Antiguo (n.º de inventario: 2333), Roma, Italia

Un ejemplo de la mujer que va perdiendo "vergüenza", "pena" es la pintura La fornarina de Rafael Sanzio. Donde la joven, que mira ligeramente a la derecha del espectador, aparece semidesnuda en posición sedente en el momento en que se toca el pecho izquierdo con la mano contraria. Sujeta con la misma un velo trasparente que se enrolla en uno de los brazos mientras que en el otro se observa un brazalete con la inscripción RAPHAEL VRBINAS. La parte inferior del cuerpo queda tapada por una especie de amplia falda de colores rojizos y aspecto aterciopelado. La mano izquierda descansa sobre la zona púbica. Los bellos tonos rosáceos de las carnaciones contrastan con los verdes y azules del fondo, lo que acentúa la sensualidad del conjunto.

 Otro ejemplo de ello es La Venus dormida, donde se pierde el relato sobre la verdadera Venus, a partir de ese momento, como no se podía hacer desnudos y ponerles nombres de las modelos, los autores lo mostraban con el nombre de Venus, para no ser "censurados" por la iglesia.

Año	hacia 1507-1510
Autor	Giorgione, hacia 1507-1510
Técnica	Óleo sobre lienzo
Estilo	Renacimiento
Tamaño	108,5 cm × 175 cm
Localización	Gemäldegalerie Alte Meister, Dresde,  Alemania

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Del desnudo pasamos a fotografía. 


El primer procedimiento fotográfico o heliográfico fue inventado por Niépce hacia 1824. Las imágenes eran obtenidas con betún de Judea, extendido sobre una placa de plata, luego de un tiempo de exposición de varios días.
En 1829, Niépce asocia a Louis Jacques Mandé Daguerre en sus investigaciones.
En 1832, ponen a punto, a partir del residuo de la destilación de la esencia de lavanda, un segundo procedimiento que produce imágenes con un tiempo de exposición de un día entero.

http://www.photo-museum.org/es/historia-fotografia/